Históricamente y en todas las partes del mundo, las mujeres han sido sistemáticamente excluidas o presentadas de forma estereotipada y sesgada durante siglos. Por suerte, parece que la sociedad está tomando cierta consciencia de ello y, aunque quede todavía camino por recorrer, en algunos aspectos vamos en la dirección adecuada.

Sin embargo, las oportunidades de conseguir una igualdad real son todavía escasas porque muchos de los marcos prejuiciosos y excluyentes siguen prevaleciendo hoy en día. En América Latina esto se ha debido en parte al sexismo y también a que el sistema juzga la calidad de la obra de los artistas en función de la visibilidad y el éxito. Por desgracia, a las mujeres se les ha negado siempre la posibilidad de medrar en este escalafón.

Actualmente se pueden ver reconocimientos como es el caso de la artista feminista mexicana Mónica Mayer. Desde la década de 1970, la artista estuvo en gran medida ausente del sistema artístico, pero en 2016 recibió un merecido reconocimiento en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de Ciudad de México en 2016.

Un prejuicio muy extendido es que las mujeres artistas no son tan buenas como los hombres y de ello se deriva la incapacidad de plantear la pregunta más crucial en este campo: ¿Qué mujeres artistas ha habido a lo largo de la historia?

Olvidadas por la historia

En el siglo XX, las artistas latinoamericanas han participado activamente en el lenguaje artístico que les ha tocado vivir. Sin embargo, en los textos teóricos y en las propias exposiciones de historia del arte que han servido de grandes referencias en el campo, son los hombres quienes aparecen como grandes configuradores de la historia del arte. Sólo un puñado de mujeres han sido elegidas para representar el campo artístico en general y estas figuras han sido destacadas una vez tras otra vez:

• En el primer modernismo aparecen Anita Malfatti, Amelia Peláez y Tarsila do Amaral.
• Como representantes del surrealismo están Leonora Carrington, María Izquierdo, Frida Kahlo y Remedios Varo.
• El neoconcretismo y la abstracción geométrica vino de la mano de Lygia Clark, su tocaya de apellido Pape, Gego y Mira Schendel
• Por último, las máximas representantes del arte conceptual y experimental son Ana Mendieta, Marta Minujín y Liliana Porter.

Esto quiere decir que hay cientos y cientos de mujeres artistas que son una parte íntima e importante de nuestra historia representadas por menos de dos decenas. Las corrientes más populares en las que la figura femenina ha tenido voz son el surrealismo, la abstracción geométrica y, más recientemente, el arte pop. La abstracción, en particular, resulta cómoda por su aparente neutralización o ausencia de cuestiones de género.

A nivel internacional se han realizado varios estudios sobre el arte latinoamericano que han dado forma a este campo. Uno de ellos: Arte en América Latina: The Modern Era, 1820-1980 presentaba obras de 155 artistas, de los cuales sólo doce eran mujeres.

Por otro lado, la celebración del quinto centenario del descubrimiento de América dio lugar a una serie de exposiciones que continuaron la tendencia de mostrar sólo unas pocas mujeres artistas, que por lo general entraban dentro de la escueta lista que aparece más arriba. Otro ejemplo fue una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1993, que incluía obras de noventa y cinco artistas, de los cuales sólo catorce eran mujeres.

Los estereotipos sobre la mujer más extendidos en el mundo del arte

Entre los estereotipos que han definido a las mujeres artistas en Latinoamérica se encuentra el uso de su propia invisibilidad, una venenosa convicción de que no son buenas artistas y, por tanto, no han existido. No es extraño que mujeres artistas como Mercedes Pardo o Lola Alvárez Bravo, esposas de reconocidos artistas han sido eclipsadas totalmente por el simple hecho de ser sus parejas.

Otro estereotipo muy extendido es el de ser una mujer loca, histérica y víctima, como se dio en el caso de Frida Kahlo y, en ocasiones, de Ana Mendieta. Además de ello, tampoco es raro escuchar que las mujeres son malas artistas basándose en la idea de que su estética suele ser insípida y desagradable y que los temas que abordan no tienen importancia. Por último, otro concepto que se ha generalizado de forma errónea es que el papel de las mujeres como madres les impide ser artistas relevantes y comprometidas. Desde luego, estos son los estereotipos más extendidos, pero sin duda habrá muchos más que ni siquiera se tienen en cuenta.

Sin lugar a dudas, durante la historia ha sido muy común que los artistas masculinos se burlasen de sus colegas femeninas, contribuyendo a su aislamiento e invisibilidad. Sin ir más lejos, Álvaro Barrios, en una entrevista con Miguel Ángel Rojas para su libro titulado “Orígenes del arte conceptual en Colombia”, habló en contra Sara Modiano.

Barrios utilizó el ejemplo de la supuesta desaparición de Modiano de la esfera del arte público alrededor de 1987 para demostrar su falta de relevancia y compromiso con su arte. En realidad, la artista nunca dejó de trabajar, y la prueba de ello son las numerosas ideas y dibujos que siguió desarrollando en sus cuadernos.

El diseño y el color de los elementos de cualquier producto es clave a la hora de venderlo mejor o peor. El aspecto artístico, psicológico y subliminal de los juegos de casino afectan de igual forma en el en el ser humano. Al fin y al cabo, este tipo de establecimientos usan todo tipo de ardides y tácticas para mantener a los clientes jugando el mayor tiempo posible.

Si uno se fija bien en los casinos físicos, encontrará el uso de otras estrategias como la ausencia de ventanas y de relojes en las paredes, para que los jugadores no sepan nunca qué hora es o para dar la sensación de que el tiempo se ha detenido. Sin embargo, está demostrado que los estímulos visuales pueden llegar a aumentar el tiempo de juego y potenciar las apuestas según factores tan simples como la tonalidad de los elementos. Estas características son observables tanto en lugares físicos como en casinos online.

La importancia del dorado en las tragaperras online

Uno de los colores más predominantes que se pueden encontrar en el interfaz de cualquier portal web dedicado a este particular entretenimiento, sin lugar a dudas es el dorado. No es de extrañar si uno piensa en la cantidad de similitudes que se le pueden sacar a este color. La gente suele asociar las cosas doradas al dinero, al oro a las fortunas… Además de ello, las tragaperras online suelen utilizar sonidos de cajas registradoras, el tintineo de las monedas o directamente utilizan muchos dibujos de monedas apiladas.

Otro elemento muy común son los gnomos, aquellas criaturas diminutas de la mitología de Europa del Norte que habitan el subsuelo custodiando tesoros y piedras preciosas y robando a personas avariciosas. Desde luego, es una implementación muy oportuna para el mundo de los casinos, por lo que la combinación de dorado y verde también se puede observar con mucha frecuencia. Además de ello, tampoco es extraño observar rubíes, zafiros y esmeraldas en sendas fortunas debido a que poseen colores muy reconocibles y vivos: el rojo, el azul y el verde.

El mercado online, por el hecho de carecer de presencia física, suele volcar casi todas sus estrategias en las tácticas psicológicas y los estímulos visuales. Las emociones están estrechamente relacionadas con las tonalidades y algo en lo que se centran la mayoría de salones de apuestas es en evitar vertientes depresivas. Por ello, la mayoría de casinos tratan de utilizar colores fríos lo menos posible, otorgando a los tonos cálidos casi todo el protagonismo.

Como comentábamos más arriba, el rojo el amarillo (o dorado) y el verde son de los colores más utilizados en las tragaperras. Si lo analizamos mejor, podemos llegar a la conclusión de que el rojo significa advertencia en todo el mundo, el amarillo, además de las connotaciones de riquezas, atrae mucho la atención y el verde se relaciona automáticamente con que todo marcha bien.

Otras asociaciones populares

• Los colores frutales

Además de las fortunas y los gnomos, existen muchos otros tipos de asociaciones con las tragaperras. Una muy clásica son los colores y formas de frutas para los diseños, todo el mundo que ha jugado alguna vez a las tragamonedas sabe a lo que me refiero. La fruta tiene colores muy vivos y atrayentes de por sí, pero los dibujos que suelen utilizar son especialmente chillones. Las manzanas rojas, las peras verdes, los limones amarillos… dan una oferta visual atractiva y hace que los jugadores distingan perfectamente los tipos de símbolos que hay.

• El rojo y el negro

Estos dos colores destacan, sin lugar a dudas, por la elegancia que transmiten, en especial cuando se añade el blanco a modo de base. Existen multitud de juegos de casino que hacen uso de ellos, para muchos los juegos de cartas como el póker son lo que más les acerca al ambiente de casino. Los corazones y diamantes son de color rojo y los tréboles y las picas negros. Además de ello, los palos se sitúan sobre una carta blanca y las mesas suelen incluir tapetes verdes, que ya habíamos comentado su importancia en los casinos.

Por otro lado, la ruleta es otro de los juegos insignia que representan las casas de apuestas. Da igual qué tipo de ruleta sea, la americana, la ruleta europea o la francesa, todas ellas distribuyen el color negro y rojo a lo largo y ancho del tablero y la rueda. Si hacemos la suma, encontramos 36 números, de ellos la mitad son rojo y la otra mitad negra. Además de ellos, el cero y el doble cero son de color verde, por lo que estamos jugando de nuevo con la misma combinación de colores.

En definitiva, las reacciones de los humanos a los colores son las mismas sin depender ni siquiera nuestra cultura. El cerebro cuenta con reacciones automáticas que no podemos controlar y los diseñadores de los juegos lo saben. En los casinos se apela a la emoción y a mensajes universales para atraer la atención de los jugadores de modo que sigan apostando, las apuestas sean más elevadas y pasen en los casinos el mayor tiempo posible.

El arte contemporáneo inicia su recorrido en la segunda mitad del siglo XVIII y continúa con las vanguardias del siglo XX. Las expresiones artísticas de este período manifiestan una crítica social acérrima.

Los cambios políticos y económicos que vinieron con la industrialización provocaron una reacción de desmitificación de lo real. La mirada del artista se vuelve hacia personajes anónimos que cuentan una historia paralela a la oficial.

Tópicos del arte contemporáneo

Para comprender el arte contemporáneo es importante pasearse por algunos temas que ayudarán a tener una noción completa de esta etapa. A continuación, desarrollamos puntos clave que describen el contexto histórico que lo acompaña.

1. Conflicto y adversidad

Hacia 1830, el nacimiento de la industria planteó un futuro prometedor junto con diversas problemáticas inherentes al cambio. En el proceso de industrialización, los trabajadores vivían una situación inhumana. Las condiciones de seguridad e higiene más básicas eran pasadas por alto.

Las obras contemporáneas reflejan el sufrimiento de la clase trabajadora. El realismo artístico muestra escenas de la vida cotidiana que relatan la dureza de este nuevo orden donde las personas más humildes tratan de tener un lugar. Se representa una realidad que ha perdido la virtud. Una sociedad ausente de sí misma, vaciada de su propia humanidad para llenarse de cargas horarias excesivas.

2. Libertad y cambio social

Las artes visuales de la época también criticaron el establecimiento de dos esferas sociales: el proletariado y la burguesía. El maltrato de los patronos hacia sus obreros logró formar una brecha que dividía a estas dos clases. Los burgueses eran los dueños del capital, mientras que los proletarios funcionaban como fuerza de trabajo.

Paradójicamente, la diferencia entre ambas contribuyó a incrementar las exigencias del proletariado y mejorar su calidad de vida. Honoré Dumier es uno de los representantes del arte contemporáneo que mejor representa las acaloradas luchas obreras.

Otro punto a considerar es la abolición de la esclavitud en los siguientes territorios:

• En 1848 Francia.
• En 1807 Gran Bretaña.
• En 1854 Portugal.
• En 1864 Estados Unidos.
• En 1871 Indias Holandesas.

3. Héroes y líderes

Para la clase obrera, sus héroes y líderes eran anónimos. El proletariado era concebido como una masa, su fuerza procedía del carácter colectivo. Así era representado en el arte moderno. Gustave Courbet fue uno de los artistas pictóricos que plasmó esta organización social monolítica.

En sus pinturas, se describen escenas de grandes grupos de trabajadores saliendo de las fábricas o hacinados en el transporte público. Asimismo, los grabados tienen gran importancia en el arte contemporáneo. La gran revolución de la comuna de París en 1871 quedó registrada en pequeños grabados publicados en revistas y periódicos franceses.

4. Los seres humanos y el medio ambiente

El desarrollo de nuevas tecnologías plantea un nuevo reto para las artes plásticas. La invención de la cámara fotográfica, la luz artificial y el posteriormente el inicio del cine hizo que los artistas se preguntaran. ¿Para qué sirve el arte? De modo que para justificar su utilidad buscaban fundamentos científicos.

El movimiento impresionista y el triunfo de la sencillez en el arte fueron las respuestas que dió el arte contemporáneo a esta pregunta. Una representación experimental que tenía el objetivo de emular la incidencia de la luz en el ambiente tomando como referencia la visión del ojo humano. Su técnica se basaba en utilizar pequeñas pinceladas de colores puros para simular el efecto lumínico sobre los objetos.

5. Identidad

La identidad es un tópico que se difumina en el arte contemporáneo. Incluso, es una de las categorías que los artistas cuestionan en sus obras. La identidad se pierde en medio de la masa que se acumula en las grandes ciudades industrializadas.

El individuo ya no es el centro del saber como en el Renacimiento ni del sentir como en el Romanticismo, ahora su valor se mide por la capacidad de generar riqueza. Es por esto que vemos gran cantidad de arte que representan multitudes, personas desconocidas o situaciones provocativas como El origen del mundo de Courbet. No importa quién, sino qué es lo que se critica, confrontar lo real.

6. Inmigración y migración

Otra de las razones por las cuales se desvanece la identidad en el arte contemporáneo es la nueva distribución poblacional. El campesinado empezó a desplazarse hacia las ciudades donde era sencillo obtener trabajo estable. Aunado a ello, las mujeres también tenían acceso al mundo laboral en las fábricas.

Una segunda fuente de mano de obra provenía de emigrantes europeos que dejaban sus países por la escasez de alimentos o la intolerancia. Es el caso de los judíos, los alemanes, los irlandeses, los hugonotes de Francia y algunos flamencos. En vista de este éxodo campesino, un artista llamado Jean-François Millet exalta la vida rural en sus pinturas que aún se conservan en el museo de arte contemporáneo en Europa.

7. Industria, invención y progreso

Todas las transformaciones que hemos mencionado no tuvieron un mal término. La revolución industrial generó un reacomodo social que finalizó con el establecimiento de la jornada laboral, el salario, la protección a los niños y el descanso dominical.

En cuanto al progreso tecnológico, se pueden mencionar innumerables beneficios para la humanidad. La creación de la máquina de hilar para hacer textiles, la invención del ferrocarril, el barco a vapor, la máquina de escribir, los automóviles, el teléfono, la bombilla y la bicicleta.

El arte argentino podría definirse como un punto de encuentro. La inmigración es un factor que incide directamente en el producto final. La mayoría de los artistas provienen de distintos países europeos que dialogan con la estética nacional.

La representación artística moderna de Argentina surge de la confluencia y el intercambio. A continuación, haremos un recorrido por distintos momentos de la historia del arte argentino que relata la consolidación de una expresión estética única en el mundo.

Arte argentino del siglo XIX

Tendencias

En el siglo XIX se abre una nueva etapa de apertura artística en Argentina. Se instaura un nuevo orden y la nación empieza a tener un semblante propio. En este sentido, el arte argentino se dispone a plasmar el rostro naciente de la nación, sus costumbres e ideologías.

Las tendencias de este período se encuentran marcadas por artistas argentinos dedicados a hacer grabados y litografías.

Características

Las cualidades del arte argentino del siglo XIX destaca por algunas técnicas y temas de interés específicos que se desarrollaron en esta época:

• La litografía: es una forma de grabado que emplea un lápiz de material graso junto con una tinta que pinta sobre piedra caliza. La base pedregosa tiene un tratamiento especial previo para imprimir la imagen.
• Costumbrismo: aunque no es el único estilo de la pintura argentina de este periodo, si es una preferencia marcada. Los extranjeros sentían curiosidad por la cultura gauchesca y otras costumbres tradicionales de los pobladores.
• Paisajismo: el entorno también era un aspecto muy atractivo para los viajeros. Por tanto, plasmaban tanto el paisaje urbano como el rural provincial.

Representantes

Hubo un grupo de artistas conocido como Los precursores: Juan Mauricio Rugendas, Auguste Raymond Quinsac de Monvoisin, Fernando García del Molino, Carlos Morel, y César Hipólito Bacle.

En la segunda mitad del siglo XIX destacaron: León Pallière, Ignazio Manzoni y el mejor pintor del momento Prilidiano Pueyrredón. En el periodo finisecular el arte argentino toma un carácter propio que logró concretarse con Eduardo Sívori, Ernesto de la Cárcova, Ángel Della Valle, Pío Collivadino y Reinaldo Giudici.

Arte argentino del siglo XX

Tendencias

Se produjo una fijación de los principios artísticos promulgados por la Academia de la Sociedad Estímulo que se nacionalizó en 1905. A ella pertenecía un cúmulo de los artistas antes mencionados. Estos tuvieron un rol de pedagogos, pero luego el impresionismo y la vanguardia tuvieron un desenlace particular en el arte argentino.

Características

Algunas de sus características se concentran en los movimientos de vanguardias. Entre ellos:

• Impresionismo y post impresionismo: se diferencia del francés por el hecho de que las pinturas argentinas de estos movimientos tienen un toque romántico, espiritual y vibrante. Predominan los colores claros.
• Arte político – social: emerge la ideología política de izquierda en 1920 que pretendía representar la cotidianidad del proletariado. Los artistas utilizan técnicas artesanales como la talla rústica de esculturas.
• Surrealismo social: el arte estaba comprometido a ser parte de un cambio social confrontando al orden social. Se consiguió crear una expresión de impacto conciliando el surrealismo con las demandas sociales de los argentinos.

Representantes

Debido a que fue una época muy prolífica se puede construir una larga lista de artistas argentinos. Sin embargo, mencionaremos algunos nombres destacados. De los impresionistas: Martín A. Malharro, Pío Collivadino, Cesáreo Bernaldo de Quirós, y Fernando Fader.

Del posimpresionismo podemos nombrar a : Ramón Silva y Valentín Thibón de Libián. Del arte político – social perteneciente al grupo Barracas están: Adolfo Belloq, Agustín Riganelli, Abraham Vigo y Guillermo Facio Hébequer.

El grupo de la Boca estaba presente simultáneamente con Fortunato Lacámera, Víctor Cúnsolo, Carlos Victorica, Alfredo Lázzari, Eugenio Daneri y Juan Del Prete. Del arte argentino surrealista: Antonio Berni, Vicente Forte y Leopoldo Presas.

Arte argentino del siglo XXI

Tendencias

La expresión artística se va a deslastrar de los condicionantes externos. La crítica social es casi imperceptible en el siglo XXI. Por ende, encontraremos manifestaciones más introspectivas. No existen escuelas, asociaciones o grupos que proclamen una tendencia concreta en el arte argentino.

Características

La lucha de clase, las denuncias políticas y los síntomas de cambio político-sociales impregnan este siglo artístico en curso. Entre algunas tendencias podemos mencionar:

• Introspectivismo: está más enfocado en las diferencias. La subjetividad es un elemento medular desde el cual se ramifican técnicas propias. Las obras están impregnadas de cierto tinte romántico por el tratamiento de la interioridad.
• El arte público: hay un rechazo al elitismo. Se trata de un arte mural callejero que se interrelaciona con el disfrute urbano.
• Kitsch – Pop: se retoman estas corrientes incorporando otros elementos digitales tridimensionales. Igualmente, se encuentra integrado a la fotografía y nuevas tecnologías de graficación.

Representantes

Entre los artistas argentinos del siglo XXI de mayor renombre están Norma Bessouet, Gustavo Cabral, Nicolás García Uriburu, Raquel Partnoy, Miguel E. Dávila, Cecilia Lueza, Verónica Di Toro y Dario Arbina.

Consideraciones finales

Si bien el arte argentino estuvo atravesado por la influencia extranjera, consiguió definir un carácter original. El surrealismo que emergió en este país desarrolló unas técnicas muy particulares que lo diferenciaron del europeo.

Así como el surrealismo, cada expresión artística logró capturar una esencia que se fue formando a través de los años que no niega su procedencia mestiza.

Para los amantes del arte japonés han llenado las tragamonedas online de estas tendencias artísticas. A través de ellas puedes obtener todo el encanto pictórico de la nación nipona mientras juegas y ganas dinero al mismo tiempo.

Actualmente, existe una categoría dedicada solo a slots con temática japonesa. Sus motivos van desde el arte milenario de Japón hasta películas de anime y aventuras futuristas. ¿Quieres saber más sobre esta expresión artística? ¡Acompañanos!

Arte japonés en Argentina y los casinos online

El arte japonés tuvo una amplia difusión a finales del siglo XIX e inicios del XX en Europa. Sin embargo, uno de los principales participantes del consumo de objetos japoneses en Latinoamérica fue la élite argentina en este mismo periodo. Se filtró en distintos ámbitos del entretenimiento, la educación y la decoración

Justamente. El arte japonés tuvo una gran relación con la industria del juego y el entretenimiento. Incluso, si vives en Argentina, puedes encontrar tu versión favorita de máquina tragamonedas online en estas páginas. Te presentan algunos casinos completamente seguros en el país.

Pasando a un poco de historia del arte japonés y su relación, en estas fechas Argentina trabó relaciones comerciales con Europa, Asia y Oceanía, a partir de lo cual se despertó un interés por el exotismo del arte en Japón. Las familias implicadas en dichos acuerdos de exportación fueron las principales donantes de este tipo de arte al Museo Nacional de Arte Oriental y al Museo de Bellas Artes.

Estas relaciones se han expandido y han entrado a diferentes tipos de círculos de la sociedad. En la actualidad, los juegos de casino y los videojuegos han tenido una gran preponderancia en esta área.

Los casinos online han sido un centro de atracción de diferentes tendencias artísticas. La industria del entretenimiento ha tomado ciertos elementos distintivos de la cultura de masa, apropiándose de ellos y creando nuevas tendencias en el mercado.

Los medios de comunicación, los casinos y el arte

Pareciera que los medios de comunicación y el arte son categorías en disputa, pero ambos han tenido una relación histórica muy estrecha. Precisamente, la fascinación por el arte japonés tuvo lugar en el imaginario occidental gracias a las revistas y periódicos que informaban sobre este tópico. Lo propio han hecho los casinos.

Entre 1915 y 1930 hubo un extenso catálogo de prensa que se dedicaba a ello en Argentina. Por ejemplo, El Hogar, Saber Vivir, La Nación y Plus Ultra. En Francia, la revista Le Japon artistique también tuvo un papel primordial en la difusión del arte de Japón. Incluso, se editaron versiones en inglés y alemán.

Los medios de comunicación tuvieron protagonismo en el conocimiento del arte japonés en Estados Unidos y Australia debido a estas iniciativas del periodismo escrito.

Hoy en día, el internet es uno de los canales masivos de distribución de manifestaciones artísticas. El anime, los cómics. las series, las películas y los libros han encontrado un proceso de divulgación relevante.

Arte japonés

El arte en Japón se remonta a la época prehistórica. Proviene de una cultura milenaria forjada por diversos pueblos del norte de Asia y algunos polinesios. Como todo arte asiático, se encuentra atravesado por lo sagrado y la tradición.

Las corrientes religiosas más palpables en las manifestaciones artísticas japonesas son el budismo y el sintoísmo. Entre sus obras arquitectónicas y escultóricas destacan los templos, santuarios y monumentos dedicados a Buda.

El arte japonés evolucionó paulatinamente hasta convertirse en un privilegio aristocrático. Por tanto, muchas de las piezas que se conservan en la actualidad pertenecieron a emperadores y familias del alto mando militar.

Una parte del terreno artístico está enfocado en la armonía de la naturaleza. Del arte nipón viene el paisajismo, que es la estética de los jardines. En los templos era primordial que el elemento natural transmitiera paz mental y equilibrio.

Características del arte japonés online

El arte en línea está compuesto por todas las representaciones que se han digitalizado. En esta categoría se incluyen, videojuegos, películas, series, literatura y tragamonedas. Las características que definen al arte japonés online son las siguientes:

• Religiosidad: gran parte del arte online en Japón tiene una conexión estrecha con el componente sagrado, espiritual y religioso. Es común encontrar figuras de buda y deidades asociadas a esta cultura.
• Animales: reales o míticos son los protagonistas de sus expresiones artísticas. El dragón, el tigre, el fénix, la mantis religiosa, el conejo y el pez koi tienen un significado simbólico en Japón.
• Naturaleza: el artista siempre toma en cuenta a la naturaleza como una fuerza poderosa. Lograr la armonía natural es uno de los objetivos del paisajismo japonés. La tranquilidad y la paz que es capaz de infundir la naturaleza.
• Anime: es el arte de Japón con mayor difusión en el ámbito digital. Famosas series y películas de anime son los temas de tragamonedas online.

Tragamonedas y arte japonés online

Las tragamonedas japonesas siempre acaparan el arte nipón online. Esto se debe a que se inspiran en temáticas conocidas por todos. Es emocionante tener acceso a un juego divertido que incorpora personajes tan emblemáticos de tus series o películas de anime favoritas.

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Asimismo es posible toparse con tragamonedas de arte japonés tradicional. Con tema de dragones, geishas y samurais. Para aquellos amantes del arte kwaii pueden hallar un montón de opciones formidables.

El origami, el paisajismo, los bonsai e incluso la comida japonesa como el sushi o el ramen están presentes en el arte de las tragamonedas japonesas. Un mundo místico y estimulante te espera con el arte online nipón.

Consideraciones finales

Sin duda, el arte en Japón es una de las ramas más ricas del mundo. Sus expresiones van desde la seriedad espiritual y el deber religioso hasta el universo creativo del anime. Es una mezcla que puede generar gran interés en el público.

Ahora, con las tragamonedas se ha inmortalizado el arte japonés. De una manera entretenida y estéticamente impresionante puedes disfrutar de las mejores creaciones gráficas del arte online.

De vez en cuando, en los medios de comunicación de todo el mundo aparece la noticia de alguna obra de arte que se ha vendido por una auténtica millonada. El arte lleva pasando de mano en mano entre particulares, museos y organismos públicos desde hace muchos siglos. Sin embargo, lo que ha cambiado es la manera en la que se gestionan estas transacciones que en muchas ocasiones implican grandes sumas de dinero.

Las subastas de arte llaman la atención tanto de artistas profesionales como amateurs, ya que son eventos en los que se ponen a la venta obras artísticas al mejor postor, pero lo cierto es que la mayoría del público en general desconoce cómo funciona una casa de arte. Por eso en este artículo vamos a profundizar un poco más en este tópico que llama la atención tanto de coleccionistas, como del público en general.

Un negocio mundial muy serio

A simple vista las subastas de arte pueden parecer algo muy sencillo, se tiene la idea que simplemente una persona se encarga de organizar un evento en el que los asistentes pujan por las obras que les interesan hasta que se alcanza un precio que nadie puede superar, ¿verdad? Parecen eventos llenos de glamour (como los que organiza la casa de subastas Christie’s) que como llevan funcionando muchos siglos, todo el mundo está acostumbrado a su sistema. Sin embargo, lo cierto es que antes de que se diga ‘¡Vendido!’, hay mucho trabajo previo.

Las subastas de arte como las conocemos hoy en día comenzaron en el sector del arte en el siglo XVIII y son un negocio que gestionan transacciones millonarias todos los años. Están dirigidas por una persona a la que se conoce como subastador y se pueden llevar a cabo en cualquier lugar del mundo. Las personas interesadas en los productos que se van a subastar pueden estar presentes de manera física o a través de un representante y si lo desean pueden mantener su anonimato.

Organizar una subasta de arte no es algo que sucede de la noche a la mañana ya que precisa de un proceso que se planifica con muchos meses de antelación que usualmente sigue el siguiente sistema:

• Se especifica el listado de las obras de arte que se van a poner a la venta.
• Se publica y envía un catálogo de subastas a compradores potenciales que pueden estar interesados en las piezas que se pondrán a la venta el día de la subasta.
• Durante el día de la subasta, los coleccionistas van pujando con sus paletas (aunque este sistema también ha variado un poco debido a la era digital) u ofrecen sus sumas de dinero a través de sus asistentes.
• Por último, cuando nadie puede superar la cifra del postor más alto, el subastador adjudica la obra al precio más elevado a golpe de martillo.

En cuanto a los artículos que se pueden subastar, hay un poco de todo. Los cuadros y pinturas tradicionalmente han sido las piezas estrella de las subastas de arte, pero cualquier cosa considerada como pieza de arte se puede llegar a subastar. De hecho, en la actualidad el auge del arte digital conocido como NFT ya ha llegado a cifras millonarias y está revolucionando esta industria.

Hay que recordar que siempre se pone un precio de salida en cada pieza artística, es decir, es la cantidad mínima que tendrán que pagar los coleccionistas si quieren llevarse a casa la obra. Pero en muchas ocasiones este precio inicial se ve ampliamente superado en la subasta ya que nadie puede predecir exactamente cuánto puede llegar a pagar un coleccionista millonario.

¿Cuáles son las casas de subastas de arte más importantes del mundo?

Aunque existen muchas casas de subastas en todo el mundo, sin lugar a dudas hay dos que destacan entre el resto:

• Casa de subastas Christie’s. Su origen se remonta hasta el siglo XVIII y por experiencia, trayectoria y calidad de las piezas artísticas que se ponen a subasta en sus eventos, es una da las casas de subastas más prestigiosas del mundo. Esta casa de subastas logró una cifra récord de 179,4 millones de dólares al subastar el cuadro Les Femmens de Picasso. Pero no ha sido la única obra que ha conseguido una cifra espectacular ya que el mismo año del cuadro de Picasso (2015), superó su propio récord al vender la pintura Nu Couche de Amadeo Modigliani por 170,4 millones de dólares (quien compró el empresario Liu Yiqian). Cuenta con 12 salas de subastas en Londres (2) Hong Kong, New York, París, Dubái, Ginebra, Ámsterdam, Milán, Shanghái, Zúrich y Bombay. Asimismo, opera en 53 oficinas de 32 países diferentes.
• Casa de subastas Sotheby’s. Casa de subastas que también data del siglo XVIII cuyas oficinas centrales se encuentran en Londres y New York y con salas de subastas en Toronto, Zúrich, Doha, Ginebra, Milán, Ámsterdam, París Madrid, New York y Hong Khong. Entre sus artículos subastados más costosos se encuentra el reloj más caro del mundo, ya que el Patek Philippe se vendió por más de 24 millones de dólares.

Si echamos la vista atrás, podemos observar como el arte siempre ha ido de la mano con los hechos históricos de cada época. En la prehistoria, nuestros antepasados utilizaban el arte rupestre usando rocas como lienzos para mostrar sus cacerías; en la época romana, se veneraba a los emperadores con bustos muy detallados; o durante el Renacimiento el arte religioso siempre tuvo un lugar predominante entre los pintores de esos siglos.

Teniendo todo esto en cuenta, es relativamente normal que en el siglo XXI donde la era digital ha revolucionado prácticamente nuestra vida diaria de un día para otro (como por ejemplo las increíbles funcionalidades de los teléfonos móviles actuales que hace una década casi se podían considerar de ciencia ficción), la nueva tendencia sea el arte digital.

¿Arte digital? Sí, a día de hoy ya se puede hablar de esta tendencia que en muy poco tiempo ha pasado de ser algo totalmente desconocido, a vender piezas artísticas digitales por millones de dólares en cualquier parte del mundo.

¿Qué es un NFT?

¿Cómo puede ser que algo no tangible que solo se puede apreciar de manera digital y que no está relacionado con ninguna funcionalidad vinculada con el software, sino más bien con la expresión artística, pueda llegar a costar más de 69 millones de dólares? Este es el precio que se pagó por la obra ‘Everyday – The First 5000 days’ (Todos los días: los primeros 5.000 días) del artista Mike Winkelman.

Esto es una realidad gracias a los NFTs o también conocidos como Non-Fungible Tokens. Comencemos diciendo que un token es prácticamente cualquier cosa que puede estar circulando por internet, es decir no es algo físico, y que los usuarios le ponen un valor monetario. Estos activos digitales se autentifican y se codifican de manera única para certificar su origen gracias a la tecnología blockchain.

La tecnología blockchain es la misma que ha revolucionado a los inversores durante los últimos años gracias a criptomonedas como la popular Bitcoin. Pero en el caso de los NFTs, la mayoría pertenece al blockchain de Ethereum. Desde música hasta dibujos o cualquier cosa que aparezca en el mundo digital, todo se puede transformar en un NFT con esta tecnología para que los usuarios los puedan intercambiar.

Y cuando decimos cualquier cosa, realmente es cualquier cosa. Por ejemplo, el co-fundador de Twitter, Jack Dorsey, apareció en los titulares de muchos medios de comunicación hace unos meses ya que vendió por casi 3 millones de dólares el primer tweet que lanzó en este canal de redes sociales en el que están registrados millones de usuarios de todo el mundo. Por lo que el arte NFT que usa la tecnología blockchain verdaderamente puede ser cualquier cosa.

¿Son los NFTs una burbuja digital?

Este es uno de los debates más candentes en la actualidad. Para bastantes expertos los coleccionistas de arte digital, quienes muchos de ellos también invierten en criptomonedas o han hecho su fortuna gracias a ellas, están creando una burbuja digital con los criptoactivos al darle un valor excesivo a cosas que para otras personas no lo tienen, ya que no se trata de un tipo de arte tradicional que se pueda sentir o tocar.

Ahora bien, esta controversia también lleva varios años discutiéndose en relación a las criptomonedas y todavía siguen ahí generando millones de euros en inversiones a diario y cada día ganando terreno al sistema FIAT, a pesar de prohibiciones totalitarias como ocurrió recientemente en China.

Sea como sea, lo cierto es que el mercado está ahí y las principales casas de subastas del mundo ya están poniendo incluso más atención a este arte del siglo XXI, que al arte tradicional.

NFTs con precios de récord – ¿Cuáles son los más caros?

Para hacernos una idea de la cantidad de dinero que mueve el arte digital, veamos cuáles han sido hasta ahora algunos de los precios más caros de estos Non-Fungible Tokens.

• Como mencionamos previamente, por el momento la pieza más cara la creó el estadounidense Mike Winkelman (también conocido como Beeple), quien en su obra ‘Todos los días: los primeros 5.000 días’ hizo un collage de 5.000 fotografías durante 13 años. Lo que según la casa de subastas Christie’s ha hecho que Mike se encuentre entre los tres artistas vivos más valorados.
• El NFT CryptoPunk #7523 con 11.8 millones de dólares encabeza una lista de caras pixeladas que durante los últimos meses se han vendido a precios de récord, como el CryptoPunk #7804 con 7.56 millones de dólares, el CryptoPunk #3100 con 7.51 millones de dólares o el CryptoPunk #5217 con 5.44 millones de dólares. Se trata de piezas diseñadas por Matt Hall y John Watkinson del estudio de juegos Larva Labs que incluyen 10,000 caracteres digitales únicos y aleatorios que inicialmente se ofrecían de manera gratuita.
• El NFT ‘Save Thousands of Lives’ que se vendió en mayo de 2021 por 5.1 millones de dólares tiene un fuerte carácter benéfico ya que Noora Health creó este NFT para recaudar fondos para sus trabajos humanitarios en el sudeste asiático.

El mundo del arte gráfico actual se ha convertido en una vía de expresión para muchos artistas que usan sus habilidades para mostrar su inconformidad con una amplia variedad de problemáticas sociales, como por ejemplo: la economía, la política, la educación, la seguridad, la inmigración o el medio ambiente, por nombrar algunos.

Pero entre tantos artistas comprometidos socialmente gracias a sus obras de arte, destaca uno cuyas expresiones artísticas se venden en la actualidad por cientos de miles de euros: Banksy. Con relativa frecuencia, el nombre de este grafitero aparece en los medios de comunicación de todo el mundo ya que sus muestras artísticas no dejan indiferente a nadie. Pero, ¿quién es Banksy y por qué usa sus obras transgresoras para dar voz a los que no la tienen?

¿Quién es Banksy?

Aunque el nombre de Banksy ya era muy conocido en España durante la última década, fue en 2018 cuando un grafiti que apareció en Ferrol en el que se mostraba a dos guardias civiles besándose, cuando realmente comenzó a ser popular este artista en la sociedad española. Una conocida marca cervecera había animado al grafitero a usar una pared del barrio de Canido y de un día para otro, apareció esta forma artística callejera atribuida a Banksy.

Dejando a un lado la controversia de si se trata de un Banksy real o simplemente de una excelente estrategia comercial, lo cierto es que a día de hoy no se conoce su verdadera identidad. Lo único cierto es que es de origen británico y que la mayoría de sus piezas de arte aparecen en lugares públicos como en paredes de cualquier ciudad del mundo. Eso sí, sus pinturas tienen ciertos detalles característicos que hacen que sean reconocibles como un Banksy auténtico; aunque esto no es algo tan sencillo de demostrar como ha ocurrido en muchas ocasiones.

Las primeras muestras artísticas de Banksy comenzaron a aparecer en la década de 1990 en diferentes paredes y trenes de Bristol; una ciudad muy conocida en el Reino Unido por su arte callejero. Sin embargo, no fue hasta el comienzo del siglo XXI cuando empezó a crecer su popularidad en diferentes regiones del mundo al ir realizando sus grafitis con fuerte connotación social en otros lugares diferentes a su ciudad natal.

Durante años ha habido muchos rumores sobre su identidad e incluso algún periódico se ha aventurado a romper el anonimato de este artista callejero (como el The Mail on Sunday en 2008), pero todo ha quedado simplemente en rumores.

Las obras más famosas de Banksy

El primer dilema antes de hablar sobre sus grafitis y otras obras famosas de Banksy siempre ha sido confirmar su autoridad. Banksy se inició en el arte callejero bajo la influencia de un artista francés llamado ‘Blek le Rat’. Pero él simplemente fue su fuente de inspiración, ya que con los años ha creado su propio estilo característico que usualmente crea polémica al abordar temas sociales y políticos desde una perspectiva única.

Sus obras se han llegado a vender por más de un millón de euros y en algunas ocasiones, en el caso de los grafitis callejeros, aparece la discusión de quién es el dueño de la obra, ¿el propietario del edificio donde se realiza el grafiti?

Estas son algunas de sus obras artísticas mas conocidas:

• En 2018, justo cuando la casa de subastas Sotheby’s adjudicaba la obra ‘Girl with ballon’ por 1,3 millones de dólares, para sorpresa de todos los presentes, la obra se autodestruyó al pasar por una trituradora que estaba oculta en el marco del lienzo. Un ejemplo perfecto que define el carácter transgresor de este popular artista. Los restos de esta pieza se renombraron como ‘Love is in the bin’, es decir, el ‘Amor está en la papelera’. Este lienzo era versión más pequeña de otra de sus obras del 2002 que apareció en Londres, concretamente en South Park, junto con la frase ‘Siempre hay esperanza (There is always hope) y que se convirtió en uno de los trabajos más famosos de Banksy.
• En 2005, entre el límite de Palestina e Israel, apareció un soldado lanzando flores, una perspectiva del conflicto bélico de la región que también se hizo muy popular en todo el mundo. En Bethlehem (Palestina) también se le atribuye otra pieza callejera que da mucho que pensar ya que cambia totalmente los roles de cada individuo en el conflicto: una niña cacheando a un soldado.
• Obviamente, también tenía que ofrecer su opinión sobre el Brexit y en uno de los puertos más importantes de Inglaterra (Dover) dibujó una enorme bandera de la Unión Europea donde un trabajador subido en una escalera quitaba una de las estrellas, representando la salida de Inglaterra de la UE.
• Banksy es conocido por su actitud anticapitalista ante la sociedad actual y muestra de ello es el grafiti que apareció en Londres en 2011 en el que se ve a una mujer detrás de un carrito de la compra cayendo al vacío.

Latinoamérica es una de las regiones más ricas artísticamente hablando. En todo el continente, desde Alaska hasta Ushuaia, se puede encontrar una gran variedad de muestras artísticas tanto en forma de pinturas, como de esculturas, tejidos u otros objetos ornamentales. Pero dentro de este vasto continente, que se divide en Norte, Centro y Sudamérica, destaca un país por su gran relación con el arte: México.

Desde antes de la llegada de Colón a la región y de Hernán Cortés a México, se creaban cientos de detalles artísticos que demuestran la diversidad de las culturas prehispánicas. Y no solo de las más conocidas como la Azteca o la Maya, sino también de otras menos populares como la Olmeca o Huichol, por nombrar solo algunas de las decenas de culturas que han ofrecido sus piezas artísticas a la humanidad.

El controversial choque entre las culturas prehispánicas y europeas originó una nueva combinación de pinturas, accesorios, tejidos, esculturas, etc., que aumentó aún más la variedad artística en México.

Con estos antecedentes, es normal que los artistas mexicanos contemporáneos (desde inicios del siglo XX en adelante) se inspiraran en su historia para ofrecer al mundo obras atrevidas, coloridas, diversas y llenas de misticismo, basadas en el folclor popular que en la actualidad son exaltadas a nivel internacional.

Los pintores mexicanos que marcaron tendencia en el siglo XX

Nadie pone en duda la calidad y creatividad de los pintores mexicanos del siglo XX, pero hay algo que la mayoría manifiesta en sus cuadros y murales: la complicada situación geopolítica que ha vivido el país desde su independencia en 1821. Parece ser que todos concuerdan en un compromiso social para mostrar la corta e intensa historia de México como nación independiente, al recrear los paisajes y situaciones de una época muy importante para el país norteamericano.

Entre los pintores mexicanos más importantes del siglo XX se encuentran:

• José Clemente Orozco: si hablamos de muralismo mexicano, uno de los grandes referentes en este estilo artístico es Orozco. Sus murales en el Hospicio Cabañas en Guadalajara son para muchos expertos su máxima expresión. Y razón no les falta ya que aborda las raíces culturales del país y su historia desde la Conquista y la lucha independentista, con una visión muy expresionista siempre llena de realismo que sabe cómo captar la atención de cualquier persona. Un estilo dramático pero dinámico, que ha hecho que Orozco se encuentre entre los pintores más importantes de México.
• Diego Rivera: tanto en Estados Unidos como en México, se pueden observar los impresionantes murales de este artista mexicano que también se instruyó en Europa. Sus obras reflejan un estilo modernista claramente influenciado por el postimpresionismo y cubismo que él mismo experimentó. En México es todo un referente de la clase obrera por mostrar la lucha de los trabajadores ante la opresión social.
• Frida Kahlo: posiblemente sea la artista mexicana más conocida en todo el mundo, especialmente después de que muchas marcas de accesorios y textiles hayan usado su imagen en sus productos durante años. Pero la verdadera importancia de Frida no son solo sus autorretratos y más de 150 obras repartidas por todo el mundo, sino que siendo mujer tomó la determinación de expresarse con libertad en una sociedad dominada por los hombres. Una de las mejores pintoras del siglo XX que aborda la identidad de género con una crudeza sorprendente en la época en la que vivió.
• Rufino Tamayo: representante del cubismo y surrealismo en el arte mexicano, no fue hasta la Bienal de Venecia (1950) cuando verdaderamente comenzó a tener relevancia internacional. Este zapoteco comprometido con la realidad social de México destaca por sus obras coloridas y por dejar a un lado el aspecto político que otros pintores de su época trataban con demasiada frecuencia.

El arte mexicano del siglo XXI – Una ruptura con las tradiciones

Aunque solo hemos mencionado algunos de los pintores más importantes de México, tampoco debemos olvidarnos de otros artistas relacionados con otras expresiones artísticas muy importantes como la escultura, con nombres tan reconocidos como Germán Cueto, Juan Soriano o Francisco Goitia.

Todos estos artistas son una referencia para los artistas mexicanos del siglo XXI, sin embargo, estos creadores nuevos de México están ofreciendo otro tipo de obras que aunque siguen siendo muy creativas y coloridas, ya no están tan influenciadas por las situaciones sociales y políticas del pasado, sino más bien por las tendencias mundiales actuales.

Entre estas generaciones nuevas que buscan la admiración de sus obras desde una perspectiva diferente a la de sus antecesores, destacan:

• Julieta Aranda: nacida en la capital mexicana en la década de 1970 pero viviendo en diferentes ciudades europeas y de Estados Unidos, esta mexicana usa diferentes canales creativos (como vídeos e instalaciones) para sorprender con sus modelos conceptuales.
• Rafael Lozano-Hemmer: la diversidad de su ciudad natal (Ciudad de México) le abrió las puertas a una tendencia que cada vez tiene más aceptación entre el público de todas las edades (especialmente el más joven): un arte interactivo con luces robóticas y otros medios electrónicos.
• Pia Camil: terminemos con una popular artista por su visión sobre el consumismo cuyas obras no solo son apreciadas en México, sino también en otros muchos países. Sus piezas de arte, entre las que no faltan esculturas, pinturas y performances, son un gran ejemplo del modernismo mexicano.

El mundo relacionado con el arte es algo tan diverso y variado, que en ocasiones es complicado encontrar un lugar donde se pueda hallar información contrastada y actualizada que le sea de utilidad a todos los amantes de cualquier género artístico.

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Independientemente de que estés interesado en el arte del siglo XIX o en el arte digital, en nuestra plataforma encontrarás todo que estás buscando en relación al arte siguiendo las 7 disciplinas tradicionales en este sector:

• Pintura: sin lugar a dudas, es el arte predominante desde la Prehistoria cuando nuestros antepasados mostraban su modo de vida centrada en la recolección y caza, que plasmaban en unos lienzos muy especiales, rocas y piedras. Desde entonces, se ha pasado por una gran cantidad de estilos, muchos de ellos influenciados por la vida social, política y religiosa de la época, hasta llegar a la amplia variedad de pinturas modernas que muestran el talento de pintores de todo el mundo.
• Escultura: materiales tan diversos como el mármol, las piedras preciosas, la madera o los materiales reciclados, entre muchos otros, son la base de una gran variedad de esculturas que muestran desde figuras diminutas, hasta grandes esculturas que se exhiben en plazas y otros lugares públicos.
• Literatura: aunque los textos literarios llevan cientos de años entre nosotros, no fue hasta la aparición de la imprenta cuando este género tuvo su verdadera explosión. Los tópicos son prácticamente cualquiera, desde novelas de ciencia ficción y románticas, hasta libros de auto ayuda.
• Arquitectura: uno de los mayores placeres de viajar es recorrer las ciudades para admirar verdaderas obras de arte al aire libre. En cualquier rincón del mundo se pueden encontrar grandes y pequeños edificios, muchos de ellos relacionados con la religión, que tratamos desde un punto de vista muy artístico. Quien sabe, quizás incluso te animes a visitar alguno de los lugares que mostramos en nuestra plataforma online.
• Cine: una de las últimas expresiones artísticas en llegar y que enseguida se recibió con una gran aceptación en todo el mundo. Ofrece una gran variedad de tópicos y las mejores películas se premian en festivales tan famosos como los Oscar, el Festival de Venecia o el Festival de San Sebastián.
• Música: ¿qué sería de nuestra sociedad si no nos pudiéramos distraer y divertir al ritmo de la música? Cada país tiene sus propios géneros que representan su identidad, mientras que también hay otros aceptados en cualquier parte del mundo como la música pop o el rock.
• Teatro: por último, tampoco nos podemos olvidar del teatro. Antes de la aparición del cine y la televisión, el teatro era una de las maneras de entretenimiento de muchas personas independientemente de su condición social. En la actualidad, en los mejores teatros del mundo todavía se siguen representando obras clásicas, aunque las obras más modernas son las preferidas por el público más joven.